quarta-feira, 11 de maio de 2011

Blogueiras Unidas - divulgando blogs e fazendo amizades!

Olá amigos,

Faço parte do Blogueiras Unidas, que promove não só a divulgação de novos blogs, mas a amizade entre seus participantes.

Uma idéia que deu certo e veio pra ficar! Visite o Blogueiras Unidas e também os blogs registrados, tenho certeza que irão adorar!

http://parceriaentreblogsdeartesanato.blogspot.com/

Lindo dia a todos!

Lilian

Surrealismo.

Olá amigos,

Gostaria de dividir com vocês algumas informações sobre o movimento surrealista. Encontrei um texto suscinto, mas, que contém informações importantes sobre esse movimento.
Lilian

Surrealismo

O movimento surrealista nasceu no início do século XX, em Paris, fruto das teses de Sigmund Freud, criador da Psicanálise, e do contexto político indefinido que marcou este período, especialmente a década de 20.

Ele questionava as crenças culturais então vigentes na Europa, bem como a postura humana, vulnerável frente a uma realidade cada vez mais difícil de compreender e dominar.

Esta escola artística e literária se insinua no interior dos movimentos de vanguarda modernistas, englobando antigos adeptos do Dadaísmo – linhagem cultural nascida em Zurique, em 1916 -, que primava pela irracionalidade, pela censura a toda atitude moderada e era marcada por uma descrença total e um negativismo radical.

A teoria freudiana tem um grande peso na constituição do ideário surrealista, que valoriza acima de tudo o desempenho da esfera do inconsciente no processo da criação. O surrealismo procura expressar a ausência de racionalidade humana e as manifestações do subconsciente. Além dos dadaístas, ele se inspira também na arte metafísica de Giorgio de Chirico.

Os surrealistas deslizam pelas águas mágicas da irrealidade, desprezando a realidade concreta e mergulhando na esfera da absoluta liberdade de expressão, movida pela energia que emana da psique. Eles almejam alcançar justamente o espaço no qual o Homem se libera de toda a repressão exercida pela Razão, escapando assim do controle constante do Ego.

Os adeptos do Surrealismo se valem dos mesmos instrumentos que a Psicanálise, o método da livre associação e a investigação profunda dos impulsos oníricos, embora se esforcem para adaptar este manancial de recursos aos seus próprios fins. Desta forma eles objetivavam retratar o espaço descoberto por Freud no interior da mente humana, o inconsciente, através da abstração ou de imagens simbólicas.

O marco oficial da instituição deste movimento é o lançamento do Manifesto do Surrealismo, em outubro de 1924, por André Breton, que também o subscreveu. Este documento tinha o propósito de criar uma nova expressão artística acessível através do resgate das emoções e do impulso humano.

Isto só seria viável a partir do momento em que cada ser conquistasse o conhecimento de si mesmo, para então atingir o momento crítico no qual o interior e o exterior se revelam completamente coerentes diante da percepção humana. Ao mesmo tempo em que o Surrealismo pregava, como os dadaístas, a demolição do corpo social, ele propunha a gestação de uma nova sociedade, sustentada sobre outros alicerces.

O Surrealismo – expressão que foi apresentada inicialmente pelo poeta cubista Guillaume Apolinaire, em 1917 – contava em suas fileiras com nomes famosos como os de Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí, nas artes plásticas; André Breton, no campo da literatura; e Buñuel, no cinema. Eles lançam, em 1929, o Segundo Manifesto Surrealista, publicando ao mesmo tempo o periódico A Revolução Socialista.

Max Ernest - Oedipus.

René Magritte - Golconda.

René Magritte - O filho do homem.

Salvador Dali - é, sem dúvida, o mais conhecido dos artistas surrealistas. Ele criou o conceito de “paranóia critica para referir-se à atitude de quem recusa a lógica que rege a vida comum das pessoas. Segundo ele, é preciso “contribuir para o total descrédito da realidade”.

Salvador Dali - A persistência da memória.

Salvador Dali - Sono.

Na década de 30 esta escola se expande e inspira vários outros movimentos, tanto no continente europeu quanto no americano. No Brasil ela se torna uma das várias vertentes absorvidas pelo Modernismo.

Fonte: http://www.infoescola.com/movimentos-artisticos/surrealismo/

segunda-feira, 9 de maio de 2011

Michelangelo (1475-1564) - O divino!

"A escultura é a arte de representar a matéria". São palavras do próprio Michelangelo, escultor, pintor e arquiteto italiano, conhecido entre seus contemporâneos como o "Divino", uma maneira no mínimo justa de se referir a este que, ainda em vida, já era visto como um artista completo, talentoso, de espantosa memória visual e técnica irrepreensível.

Nascido em 1475 na pequena cidade de Caprese, próxima a Arezzo, Michelangelo di Ludovico Buonarroti Simoni era filho de um magistrado que também possuía uma mina de mármore e uma pequena fazenda. Criado por uma ama-de-leite cujo marido era cortador de mármore, um Michelangelo ainda pequeno já convivia com o material que lhe seria tão caro durante toda a vida.

Inicialmente contrários às aptidões artísticas latentes no filho, os pais de Michelangelo acabaram concordando em deixá-lo ingressar, aos 13 anos, como aprendiz do pintor Domenico Ghirlandaio. Pouco mais de um ano depois o jovem artista entrou para a escola de escultura de Lorenzo de Médici, poeta e entusiasta das artes em cuja residência havia um jardim com estátuas clássicas italianas. Estava travado o contato do futuro escultor com aquelas que seriam sua obsessão durante toda a vida: esculturas de corpos nus e atléticos.

Lorenzo morreu e, após dois anos na residência dos Médici, o artista foi obrigado a voltar para a casa do pai, em 1492. É nesse período que Michelangelo se dedica ao estudo da anatomia humana, dissecando cadáveres na Igreja do Santo Espírito, em Florença. Esses conhecimentos seriam fundamentais para a excelência atingida posteriormente em suas esculturas, que revelavam um conhecimento detalhado de cada músculo do corpo humano.

Após breves períodos em Veneza e Bolonha, Michelangelo fixou-se em Roma, onde foi convidado a trabalhar para o papa Júlio II, dando início a um relacionamento conturbado que inauguraria o "período heróico" do artista. O grandioso túmulo encomendado a ele por Júlio II, com quarenta grandes estátuas à sua volta, nunca seria concluído, devido principalmente às brigas entre os dois. Júlio II era vaidoso e impaciente, mas não negava sua imensa admiração por Michelangelo.

Foi servindo a esse papa, também, que Michelangelo realizou sua mais extraordinária obra: as pinturas no teto e paredes da Capela Sistina. Ainda que os afrescos não fossem sua especialidade, o "Divino" não desapontou e criou uma espetacular sucessão de cenas e personagens bíblicos, onde os corpos dos personagens se contorciam a fim de caberem na curva das paredes laterais. O trabalho levou quatro anos para ficar pronto.

Nas palavras do pintor e arquiteto italiano Giorgio Vasari, seu contemporâneo, as representações de figuras humanas criadas por Michelangelo têm "o vigor e o apelo da carne viva". Sua intenção ao criar as fantásticas esculturas em mármore definem seu espírito: Michelangelo desejava liberar uma figura aprisionada dentro do bloco de pedra, e considerava o trabalho terminado somente quando o "conceito" inicial se apresentava totalmente visível, revelando a forma desejada pelo escultor.

Michelangelo escreveu ainda livros de poesia e foi também um grande arquiteto, tendo projetado, entre outras obras, a impressionante cúpula da Basílica de São Pedro. Admirado por seus conterrâneos e considerado o maior artista de seu tempo, continuou trabalhando até sua morte, aos 89 anos, em Roma. Seu último pedido, já no leito de morte, foi ser enterrado em sua amada Florença.

Curiosidades

Duelo de gigantes
Especula-se que Da Vinci e Michelangelo não simpatizavam muito um com o outro. Os "gigantes" se conheceram em Roma, onde Michelangelo já tinha fama estabelecida. Talvez por rivalizar no quesito "maior artista da época", os dois tiveram pouco contato e não chegaram a ser amigos. A "Batalha das batalhas" ocorreu em 1503 quando Michelangelo e Leonardo foram convidados para pintar os afrescos da sala do Conselho do Palácio Vecchio. Michelangelo pintou a "Batalha de Cascina" e Da Vinci a "Batalha de Anghiari" , ambas foram destruídas e delas só existem desenhos.
Nariz quebrado
Ainda jovem, quando estudava na escola de Lorenzo de Médici, Michelangelo teria ridicularizado o trabalho de um colega, que lhe respondeu com um forte murro no nariz. O artista ficou para sempre com um nariz de aspecto "achatado", o que, para alguém que buscava a beleza ideal em seu trabalho, não deve ter sido muito agradável.
Relação neurótica
Michelangelo teria sido agredido a golpes de bengala pelo vaidoso papa Júlio II, quando trabalhava na pintura da Capela Sistina. O motivo: o trabalho demorava demais para ficar pronto. Ao final de quatro anos, as extraordinárias pinturas estavam terminadas, e já nessa época a capela passou a receber multidões de visitantes interessados em apreciar a obra.
Fama
Acredita-se que Michelangelo era homossexual. O artista era extremamente preocupado e meticuloso com os nus masculinos que realizava, mais do que qualquer outro pintor ou escultor de sua época. Em 1530, teria se apaixonado por Tommaso Cavalieri, um jovem da nobreza. Cavalieri foi receptivo e os dois acabaram se tornando amigos. Michelangelo dedicou até sonetos de amor ao jovem, que teria, inclusive, estado presente na hora da morte do "divino", 34 anos depois de o ter conhecido.
Megalomania
O grandioso túmulo encomendado a Michelangelo pelo papa Júlio II, em cujo projeto original constavam nada menos que 40 estátuas de mármore em tamanho real, nunca foi concluído. Acabou com seis estátuas, sendo apenas três de autoria de Michelangelo. Uma delas, representando Moisés, é considerada a mais perfeita escultura realizada pelo artista. Surpreso com o resultado desse trabalho, Michelangelo teria batido com o martelo na estátua e gritado: "Parla, parla!".
Michelangelo poeta
O artista deixou cerca de 300 poemas, escritos entre 1501 e 1560. Alguns deles contêm uma carga homoerótica bastante forte, evidenciando o possível homossexualismo do artista. Por outro lado, existem também diversos poemas dedicados a Vittoria Colonna, viúva e também poeta, um amor platônico vivido por Michelangelo.
Filme sobre o artista
"Agonia e Êxtase" - Carol Reed, EUA, 1965. Com Charlton Heston como Michelangelo e Rex Harrison como o Papa Júlio II.

Contexto histórico

Na hora e no lugar certos

Juntamente com Leonardo Da Vinci e Rafael Sanzio, Michelangelo Buonarroti é um dos três grandes expoentes da arte do Renascimento italiano. Os três foram artistas completos, que se aventuravam com sucesso pela pintura, escultura, arquitetura e desenho. Homens influentes em sua época, foram celebrados ainda em vida tanto pela nobreza quanto pelo povo.

Mas, se Michelangelo foi um símbolo renascentista, podemos dizer também que ele foi um dos primeiros a apontar para algumas mudanças em relação a esse estilo de pintar e esculpir: considerado um dos primeiros a antecipar o "maneirismo" e o "barroco", Michelangelo gostava de representar pessoas em posições peculiares, com os corpos contorcidos e sempre em movimento. Muitas vezes o artista distorcia as escalas, criando personagens gigantescos e em posições extravagantes, bastante expressivos e dramáticos. Sua magnífica estátua de Davi, por exemplo, possui pés e mãos em proporções maiores que o corpo.

Seu estilo, também chamado de "heróico", já sinalizava algumas mudanças em relação aos renascentistas mais puros, que se baseavam em valores clássicos greco-romanos e na representação racional das figuras. Michelangelo ousava ao representar personagens bastante musculosos, exagerados, por vezes alongados ou desproporcionais. E sempre propositalmente.

Sua trajetória não teria sido tão brilhante, porém, caso tivesse vivido em outra época. Cidades como Florença e Veneza passavam por um momento de extrema agitação cultural, com nobres e clérigos incentivando as artes. A ampliação das fronteiras, com a descoberta do Novo Mundo e o crescente comércio com as Índias, trazia riquezas à Europa e incentivava o mecenato. Um homem como o papa Júlio II, com suas manias de grandeza e sua vaidade, foi fundamental para que um gênio como Michelangelo tivesse a oportunidade de colocar em prática sua técnica e talento.

Sites relacionados

TG3 - Traz biografia, contexto histórico e fotos de trabalhos de Michelangelo. Em português.
Taschen - Website e loja virtual da editora de livros de arte. Contém diversas publicações sobre o trabalho de Michelangelo e o Renascimento.
Museu Vaticano - Site oficial da Capela Sistina, localizado dentro do portal do Vaticano. Possui versões em inglês, espanhol e português, entre outras línguas.
Pintores Famosos - Traz biografias e reproduções de diversos pintores famosos, entre eles Michelangelo. Possui um bom perfil do artista.
Scientific Electronic Library Online - Página da Revista Brasileira de História, ligada à Universidade de São Paulo, traz um ensaio sobre poemas de Michelangelo (traduzidos para o português).

· Principais obras

· 1. Obra "Doni Madonna" (1503) - Galeria Uffizi, Florença. O formato circular era comum ao representar a Sagrada Família.

· 2. Afrescos da Capela Sistina (1508-12) - O mais grandioso dos trabalhos de Michelangelo, com episódios do Velho Testamento e o Juízo Final.

· 3. A Pietà (1499-1500) - Feita em mármore, é uma escultura belíssima e extremamente expressiva. O artista foi criticado por apresentar uma Virgem jovem demais.

· 4. Davi (1501-04) - Considerada sua obra-prima. Escultura de um Davi esbelto, atlético e de postura graciosa.

· 5. Moisés (1513-16) - Escultura em mármore. Figura central do túmulo do papa Júlio II. Na cabeça do profeta, podem-se ver dois pequenos chifres.

· 6. Auto-retrato (pintura) - Auto-retrato de Michelangelo, já velho. Expressão melancólica e sombria.

Fonte: http://mestres.folha.com.br/pintores/09/

sexta-feira, 6 de maio de 2011

Parabéns as Mães pelo seu dia!

Falando das Mães.

Diz uma lenda que o dia em que o bom Deus criou as mães, um mensageiro se acercou dele e lhe perguntou o porquê de tanto zelo com aquela criação.

Em que, afinal de contas, ela era tão especial?

O bondoso e paciente Pai de todos nós lhe explicou que aquela mulher teria o papel de mãe, pelo que merecia especial cuidado.

Ela deveria ter um beijo que tivesse o dom de curar qualquer coisa, desde leves machucados até namoro terminado.

Deveria ser dotada de mãos hábeis e ligeiras que agissem depressa preparando o lanche do filho, enquanto mexesse nas panelas para que o almoço não queimasse.

Que tivesse noções básicas de enfermagem e fosse catedrática em medicina da alma. Que aplicasse curativos nos ferimentos do corpo e colocasse bálsamo nas chagas da alma ferida e magoada.

Mãos que soubessem acarinhar, mas que fossem firmes para transmitir segurança ao filho de passos vacilantes. Mãos que soubessem transformar um pedaço de tecido quase insignificante numa roupa especial para a festinha da escola.

Por ser mãe deveria ser dotada de muitos pares de olhos. Um par para ver através de portas fechadas, para aqueles momentos em que se perguntasse o que é que as crianças estão tramando no quarto fechado.

Outro par para ver o que não deveria, mas precisa saber e, naturalmente, olhos normais para fitar com doçura uma criança em apuros e lhe dizer: “eu te compreendo. Não tenhas medo. Eu te amo”, mesmo sem dizer nenhuma palavra.

O modelo de mãe deveria ser dotado ainda da capacidade de convencer uma criança de nove anos a tomar banho, uma de cinco a escovar os dentes e dormir, quando está na hora.

Um modelo delicado, com certeza, mas resistente, capaz de resistir ao vendaval da adversidade e proteger os filhos, de superar a própria enfermidade em benefício dos seus amados e de alimentar uma família com o pão do amor.

Uma mulher com capacidade de pensar e fazer acordos com as mais diversas faixas de idade.

Uma mulher com capacidade de derramar lágrimas de saudade e de dor mas ainda assim insistir para que o filho parta em busca do que lhe constitua a felicidade ou signifique seu progresso maior.

Uma mulher com lágrimas especiais para os dias da alegria e os da tristeza, para as horas de desapontamento e de solidão.

Uma mulher de lábios ternos que soubesse cantar canções de ninar para os bebês e tivesse sempre as palavras certas para o filho arrependido pelas tolices feitas.

Lábios que soubessem falar de Deus, do universo e do amor. Que cantassem poemas de exaltação à beleza da paisagem e aos encantos da vida.

Uma mulher. Uma mãe.

Enquanto houver mães na terra, Deus estará abençoando o homem com a oportunidade de alcançar a meta da perfeição que lhe cabe porque a mãe é a mão que conduz, o anjo que vela, a mulher que ora, na esperança de que os seus filhos alcancem felicidade e paz.

terça-feira, 3 de maio de 2011

A Divina Proporção.

Olá amigos,

Vocês já ouviram falar da Divina proporção?

Este é um assunto tão fascinante que resolvi fazer uma pequena abordagem para despertar o interesse de vocês em conhece-lo melhor.

"Durante anos, o homem procurou a beleza perfeita, a proporção ideal. Os gregos criaram então o retângulo de ouro. Era um retângulo, do qual havia proporções (do lado maior dividido pelo lado menor) e a partir dessa proporção tudo era construído. Assim eles fizeram o Parthernon... (proporção do retângulo que forma a face central e lateral). A profundidade dividida pelo comprimento ou altura, tudo seguia uma proporção ideal de 1,618.

Os Egípcios fizeram o mesmo com as pirâmides, cada pedra era 1,618 menor do que a pedra de baixo, a de baixo era 1,618 maior que a de cima, que era 1,618 maior que a da 3a fileira e assim por diante.

Durante milênios, a arquitetura clássica grega prevaleceu. O retângulo de ouro era padrão, mas depois de muito tempo veio a construção gótica com formas arredondadas, que não utilizavam retângulo de ouro grego.

Mas em 1200, Leonardo Fibonacci um matemático que estudava o crescimento das populações de coelhos criou aquela que é provavelmente a mais famosa sequência matemática: a Série de Fibonacci. A partir de 2 coelhos, Fibonacci foi contando como eles aumentavam a partir da reprodução de várias gerações e chegou a uma sequência onde um número é igual a soma dos dois números anteriores: 1 1 2 3 5 8 13 21 34 55 89...
1
1+1=2
2+1=3
3+2=5
5+3=8
8+5=13
13+8=21
21+13=34
E assim por diante.

Aí entra a 1ª "coincidência": proporção de crescimento média da série é... 1,618. Os números variam, um pouco acima às vezes, um pouco abaixo, mas a média é 1,618, exatamente a proporção das pirâmides do Egipto e do retângulo de ouro dos gregos.

Então, essa descoberta de Fibonacci abriu uma nova idéia de tal proporção que os cientistas começaram a estudar a natureza em termos matemáticos e começaram a descobrir coisas fantásticas:

• A proporção de abelhas fêmeas em comparação com abelhas machos numa colméia é de 1,618;

• A proporção que aumenta o tamanho das espirais de um caracol é de 1,618;

• A proporção em que aumenta o diâmetro das espirais sementes de um girassol é de 1,618;

• A proporção em que se diminuem as folhas de uma árvore à medida que subimos de altura é de 1,618.

E não só na Terra se encontra tal proporção. Nas galáxias as estrelas se distribuem em torno de um astro principal numa espiral obedecendo à proporção de 1,618 também.

Por isso, o número Phi ficou conhecido como A DIVINA PROPORÇÃO. Porque os historiadores descrevem que foi a beleza perfeita que Deus teria escolhido para fazer o mundo.

Bom, por volta 1500 com o Renascentismo, a cultura clássica voltou à moda. Michelangelo, mas, principalmente, Leonardo da Vinci, grandes amantes da cultura pagã, colocaram esta proporção natural em suas obras.

Da Vinci foi ainda mais longe; como cientista, pegava cadáveres para medir a proporção do seu corpo e descobriu que nenhuma outra coisa obedece tanto a Divina proporção quanto o corpo humano... obra prima Divina.


Homem Vitruviano de Leonardo Da Vinci.

Por exemplo:
Meça sua altura e depois divida pela altura do seu umbigo até o chão; o resultado é 1,618.

Meça seu braço inteiro e depois divida pelo tamanho do seu cotovelo até o dedo; o resultado é 1,618.

Meça seus dedos, ele inteiro dividido pela dobra central até a ponta ou da dobra central até a ponta dividido pela segunda dobra. O resultado é 1,618;

Meça sua perna inteira e divida pelo tamanho do seu joelho até o chão. O resultado é 1,618; A altura do seu crânio dividido pelo tamanho da sua mandíbula até o alto da cabeça. O resultado 1,618;

Da sua cintura até a cabeça e depois só o tórax. O resultado é 1,618; (Considere erros de medida da régua ou fita métrica que não são objetos acurados de medição).

Cada osso do corpo humano é regido pela Divina Proporção. Seria Deus, usando seu conceito maior de beleza em sua maior criação feita à sua imagem e semelhança?

Coelhos, abelhas, caramujos, constelações, girassóis, árvores, arte e o homem; coisas teoricamente diferentes, todas ligadas numa proporção em comum. Então, até hoje essa é considerada a mais perfeita das proporções.

Meça seu cartão de crédito, largura/altura, seu livro, seu jornal, uma foto revelada. (sempre considere erros de medida da régua ou fita métrica). Encontramos ainda o número Phi nas famosas sinfonias, como a 9ª de Beethoven e em outra diversas obras.

Mera coincidência?"

Fonte: http://www.chabad.org.br/biblioteca/artigos/divina/home.html

E para ilustrar um pouco mais, estou postando um vídeo lindo que encontrei no Youtube e que demonstra através de belas imagens quão maravilhosa é a Divina Proporção.

Uma linda semana a todos!

domingo, 1 de maio de 2011

Diferença entre tintas industriais e artesanais.

Olá amigos,

Quando encontro nas minhas pesquisas, assuntos interessantes e com ótimo embasamento teórico e técnico, fico cheia de alegria, pois sei que estarei oferecendo a vocês uma informação de qualidade e confiabilidade.

Eu estou procurando há algum tempo uma apostila entitulada: Cozinha da Pintura. Desenvolvida pelo prof. Aurélio Cardoso Nery em 1994. Já encontrei referências dela em outras apostilas, também desenvolvidas por professores.

Mas hoje, tive a felicidade de encontrar um blog chamado: "Cozinha da Pintura".
Tentei identificar o nome do desenvolvedor desse blog, mas não aparece em nenhum lugar. Cita apenas:

(Bacharel em Artes Visuais pelo Centro Universitário Belas Artes de São Paulo, segue carreira acadêmica com ênfase na pesquisa sobre a expressividade e a história dos materiais de pintura contemporâneos e da antiguidade. Consultoria, soluções e desenvolvimento de materiais artísticos e restauração de pinturas.)

Portanto, não tenho como saber se é o mesmo idealizador da referida apostila. Mas, olhando os temas do blog, fiquei encantada! Muita informação interessante, em textos muito bem escritos mesmo!!!.

Não deixem de visitar!!!

Espero que gostem e que aproveitem no dia a dia das artes.

Fonte:

http://cozinhadapintura.blogspot.com

O texto abaixo, é uma amostra da qualidade de informação que encontrarão no referido blog.

Com o carinho de sempre!

Lilian

Diferenças entre Tintas Industriais e Artesanais.

Tanto as tintas industriais, quanto as tintas artesanais possuem vantagens e desvantagens, e inquestionavelmente, são produtos diferentes. Talvez, aos olhos do pintor iniciante ou inexperiente, essas diferenças sejam imperceptíveis, mas conforme se adquire o hábito de se usar um determinado material, a experiência é sempre a mesma com todos os artistas: se trocamos a marca ou o tipo do material usado, percebemos que algo está diferente. Quando o artista se torna muito experiente, as diferenças que antes eram imperceptíveis, tornam-se as vezes, esmagadoras. Com isso em mente, escrevi esse pequeno artigo, para analisarmos mais detalhadamente quais são essas diferenças e por que é importante entendê-las.

Tinta Artesanal: Materiais para a fatura

Pigmentação e Pastosidade
Uma das diferenças é o uso de adulterantes pela indústria. O estearato de alumínio e o hidrato de alumínia possuem várias funções na produção dessas tintas. Servem para que o pigmento não separe do veículo, prolongando o tempo de estocagem, e para garantir uma pastosidade semelhante a todas as cores. Sua adição em grande quantidade também serve para baratear o custo da tinta, pois esses produtos substituem o pigmento no volume total da tinta, resultando numa pasta que embora possua corpo adequado, possuí menor quantidade de pigmento, retirando o poder de cobertura e adquirindo uma consistência cremosa muito característica. 1 As tintas artesanais são feitas, geralmente, somente com pigmento e veículo, os adulterantes são opcionais e quase nunca usados dentro do ateliê. As vezes, coloca-se pasta de cera branca de abelha, em ínfima quantidade 2, para evitar que o pigmento separe-se do veículo.

A generosidade de pigmento confere propriedades reológicas que mostram consideráveis diferenças daquelas que levam menos pigmentos. No entanto, é importante lembrar que algumas marcas possuem linhas de “estudante” e linhas “profissionais”, a segunda, ofereçem tintas com alta pigmentação, portanto, essa não é uma característica exclusiva da tinta artesanal, mas também não é característica das tintas do tipo “estudante”.

Tinta Artesanal: Branco de Chumbo

A textura diferenciada entre industrial e artesanal se deve principalmente pelo uso do óleo alkalí e adulterantes, que criam uma textura “amanteigada” que não é obtida na tinta artesanal que leva somente pigmento e óleo de linhaça prensado a frio. A tinta artesanal possui uma maneira de “assentar” característica, diferente da cremosidade da tinta industrial, cria efeitos . É possível também, alcançar essa “cremosidade” da tinta industrial na fatura da tinta artesanal, dentro do ateliê, através do uso do óleo de linhaça alkalí e talvez a necessidade de alguns adulterantes, embora seja obviamente mais fácil comprá-las prontas.

Vale lembrar que hoje, é possível encontrar marcas de tintas industriais mas que na verdade usam processos praticamente artesanais na fatura dos produtos. Altíssima quantidade de pigmento, pouca quantidade de óleo e nenhuma adição de adulterantes. É o caso da Natural Pigments. No entanto, lembre-se: a falta de adulterantes e do óleo de linhaça alkalí não geram uma tinta “cremosa”. Portanto, vale a pena entender como funciona o processo de fatura de uma marca antes de comprar grandes quantidades. Outras marcas oferecem em suas linhas “profissionais” alto poder de pigmentação, mas usam adulterantes, criando a famosa pastosidade. É importante notar que certas características não sejam lidas como boas ou ruins, como por exemplo, no caso de “cremoso”, essa característica pode ser desejável a um tipo de técnica ou a um artista, mas pode ser totalmente desnecessária ou indesejável a outro. Logo, essas características de consistência dividem as opiniões entre diversos artistas, sendo uma questão de gosto, e as vezes, de hábito.

Michael Harding: Tinta industrial
com qualidades da tinta artesanal

Quantidade de Veículo
Quando optamos por fazer nossa própria tinta, as proporções de óleo/pigmento sempre são preferencialmente calculadas e reguladas para que nunca haja mais óleo do que o necessário. O excesso de veículo torna a tinta muito oleosa, e quando a mesma seca, corre o risco de ficar mais escura e amarela do que a tinta com menos óleo.

As pinturas dos irmãos Van Eyck, Rubens, Rembrandt, Velasquez e outros continuam claras e luminosas. 3

É compreensível que as pinturas feitas pelos grandes mestres estejam em excelente estado de conservação, não somente pela forma como foram pintadas, mas também pela proporção óleo/pigmento, gerando uma tinta com menos risco de amarelar, conservando as cores menos suscetíveis a mudanças pela baixa quantidade de óleo. Outra vantagem da tinta artesanal é a opção de usar outros óleos, como o óleo de nozes, papoula ou cártamo, opções que raramente são encontradas em tintas industriais.

Qualidade do Veículo
Existem alguns óleos vegetais que podem ser usados na fatura da tinta óleo. O mais usado, é o óleo de linhaça. Ele é feito a partir da prensagem, ou, moagem da semente da linhaça. Dois processos diferentes podem ser usados: a extração á frio e a extração a calor, sendo a segunda, um processo bem mais recente do que o primeiro, que vem desde a idade média. Entre os pintores, discute-se qual é a melhor opção entre os dois tipos de extração.

O óleo prensado a frio é, de longe, o melhor óleo para moagem dos pigmentos, e possui muitas vantagens. Possui um teor de acidez alto, que atribui características desejáveis. Primeiramente, tem cor mais estável, sendo particularmente mais estável nesse aspecto. Também produz um filme mais elástico e durável. Quando usado para moer pigmentos tem um poder de absorção superior. Deve ser a primeira opção como óleo de moagem nos ateliês. Existe um benefício econômico gigantesco para o produtor de óleo em manter o mundo usando seu óleo refinado a calor. Pelo uso do calor na extração, uma porção muito maior de óleo é obtido, sendo esse processo o padrão da indústria desde o séc. 19. Os produtores dizem ser um óleo superior ao prensado a frio, no entanto, seu processo de feitio é voltado a grande viabilidade econômica, fácil industrialização e outros parâmetros que os artistas não julgam tão importantes. O óleo refinado Alkali deve ser considerado como uma segunda opção, para ser usado quando não houver óleo prensado a frio disponível. 4

O uso de pressão e vapor é necessário para assegurar os resultados mais econômicos, mas a qualidade do óleo assim produzido é definitivamente muito inferior ao do que é extraído pela prensagem a frio, sem vapor, especialmente do ponto de vista do artista... ... e apesar de qualquer refino posterior ao qual o óleo seja submetido ele é mais frágil, e as películas quando secas tornam-se mais quebradiças do que a do óleo prensado a frio... ... os produtores de óleo forneciam aos fabricantes de materiais artísticos, como substitutos, óleos claros refinados a álcali, alegando que estes eram superiores em uniformidade e propriedades gerais ao óleo prensado a frio. 5

Esq.: Alkalí; Dir.: Prensado a Frio

Entre os artistas e acadêmicos, notamos uma grande preferência pelo óleo produzido a partir da extração a frio, e uma grande relutância ao uso do óleo refinado:

O óleo de linhaça prensado a frio é o melhor para os propósitos artísticos... é raramente prensado a frio, pois esse é o método que resulta numa mínima quantidade de óleo. 6

O óleo refinado prensado a calor (alkali ou álcali) é um produto moderno que possui inúmeros defeitos, e não possui as qualidades superiores do óleo prensado a frio... o processo industrial de refinamento usando calor, para remover o óleo das sementes em quantidade máxima, é motivado pelo lucro econômico... 7

George O´Hanlon, produtor de vários produtos artísticos, entre eles o óleo de linhaça refinado prensado a calor, químico especialista em materiais artísticos históricos, e diretor da Natural Pigments 8 é da seguinte opinião:

Os manuais antigos recomendam o óleo prensado a frio por que ele é melhor para dispersar pigmentos, pois absorvem o óleo mais facilmente e com mais rapidez. Esse era o único óleo disponível antes do séc.20. Ele é melhor para moer pigmentos pois contem mais ácidos graxos livres, dando maior índice de acidez. A desvantagem no uso do óleo prensado a frio é sua cor muito escura e impurezas, que levam a um maior amarelecimento. No começo do séc.20, os produtores de óleo desenvolveram métodos de refinar óleos vegetais que resultam num óleo que contém o melhor de ambos: alto índice de acidez juntamente com um refinamento de pouca ou nenhuma impureza. 9

Dentre os principais pontos, a cor do óleo, é assunto polêmico. Os produtores de óleo dizem que a cor mais clara do óleo refinado prensado a calor é prova de um produto melhor. No entanto, os artistas clamam que esse óleo claro, escurece com o tempo.

Uma regra que deve ser levada em conta, é a de que as variações de óleos mais claras vão escurecer mais com o passar do tempo, enquanto que os óleos mais escuros (como o prensado a frio) mudarão menos. Então o resultado, no fim, é similar. 10

Segundo Eastlake, o escurecimento, ou amarelecimento do óleo ocorrerá, inevitavelmente, em todos os tipos de óleos de linhaça. Sendo isso inevitável, o problema não seria então sua coloração, e sim, se passou por algum processo de clarificação: se ele foi alterado. Para o autor, os processos de clarificação usados no óleo trazem para as cores um falso juízo de claridade ou pureza. Se o óleo fora clarificado por qualquer tipo de processo, e inevitavelmente voltará a escurecer, isso fará o artista obter cores claras durante sua pintura, mas que somente depois, irão escurecer. Como solução, Eastlake propõem que o óleo deve ser usado em seu estado natural, sem clarificá-lo, pois dessa maneira, o artista pode compensar sua carregada cor amarela enquanto ainda estiver pintando, colocando mais tinta, ou adicionando cores que compensem o amarelo, evitando surpresas futuras. Isto é, não importa a cor do óleo, contanto que o artista leve em consideração sua cor, e compense isso em suas misturas de cores.

Teste de Amarelamento

...sendo a descoloração (amarelecimento) dos óleos inevitável, é melhor usá-los desde o início já em seu estado de cor que alcançarão. 11

Na correspondência entre Rubens e Peiresc, carta datada de 1629, encontra-se a mesma informação, transcrita através do próprio punho do pintor:

Se meu retrato não parecer tão bom como quando foi acabado, o melhor remédio seria expô-lo ao sol e o excesso de óleo que causa essa mudança seria destruído. Se tornar a escurecer, repetir este processo que é o único remédio. 12

Em verdade, o óleo não é destruído pelo sol. Uma de suas características é tornar-se mais claro á luz. 13

Outro ponto a ser considerado é o tempo de secagem:

...Mais importante que a cor, é a grande diferença entre suas habilidades secantes: o óleo refinado prensado a calor seca de maneira excepcionalmente lenta, causando a necessidade do uso de secantes e solventes. 14

A discussão sobre qual método de extração, e qual o óleo é o óleo mais indicado possui uma extensa lista de opiniões e estudos que estão longe de uma conclusão. Nossos experimentos mostraram que as diferenças de cor e secagem, entre óleos modernos prensados a frio e óleo alkalí de qualidade não apresentam muitas diferenças. No entanto, o comportamenteo reológico das tintas feitas a partir desses óleos, mostrou que o óleo alkalí refinado e prensado a calor consegue ser absorvido mais facilmente pelos pigmentos, e gerar a costumeira “cremosidade” das tintas industriais, enquanto o óleo prensado a frio tem maior dificuldade para ser absorvido e não gera um óleo “cremoso”.

Estamos fazendo novas investigações e experimentos, no sentido de entender processos caseiros de refinamento do óleo alkalí e do óleo prensado a frio, e então estudar como esses óleos modificados vão se comportar na fatura de tintas a óleo.

Esq.: Óleo Lavado; Dir.: Alkalí

Processamento
Outra importante diferença, é a dispersão do pigmento no óleo, ou, a maneira como a tinta é processada, os métodos de ação sobre as substâncias que formarão a tinta. Quando usamos uma pequena ferramenta para espalhar manualmente o pigmento com o veículo, temos um resultado totalmente diferente de quando usamos grandes máquinas e rolos de aço que mecanicamente preparam a tinta. Certamente o resultado de uma máquina foi projetado para aproveitar ao máximo a matéria prima de maneira que produza resultados econômicos e sempre iguais, garantindo uma padronização para o produto, enquanto o procedimento dentro do ateliê é mais difícil de ser controlado, padronizado e de evitar gastos desnecessários. Todos esses fatores, produzem tintas consideravelmente diferentes em sua pastosidade e comportamento.

Dispersão: Uso da moleta

Tamanho de Partícula do Pigmento
Geralmente, a indústria mói os pigmentos de maneira a pulverizá-los para que não estraguem o maquinário, gerando partículas muito finas. O pigmento quanto mais fino, possui mais facilidade de absorção de óleo. É impossível alcançar o mesmo grau de pulverizaçã das máquinas quando usamos somente a moleta no ateliê. A moleta na verdade é usada para dispersão, e não para a moagem do pigmento. Quando usamos essa ferramenta, estamos espalhando o pigmento e não deixando-o mais fino. Portanto, quando compramos um pigmento pronto, dificilmente iremos conseguir deixá-lo mais fino. Portanto, a tinta artesanal costuma ter maiores partículas de pigmento. Isso não é necessariamente ruim, como já havíamos visto antes.

Alguns pigmentos, em alguns casos de aplicação, ou em algumas preferências de consistência para tintas, só atingem uma densidade e comportamento específicos quando encontrados com partículas grandes. Existem muitas histórias sobre o azul ultramar usado por Vermeer, que teoricamente, era feito a partir de pedras esmagadas de lápis-lázuli, mas não muito moídas, pois as partículas grandes tornavam sua tinta azul na consistência e efeito ótico que o artista desejava.

BIBLIOGRAFIA
1 MAYER; Ralph; Manual do Artista; Martins Fontes; 1950; 1957 e 1970. Pg. 199.
2 Receitas sugerem que cerca de 2% sejam suficientes.
3 MOTTA, Edson; SALGADO, Maria; Iniciação a Pintura; Editora Nova Fronteira; 1976. p. 72.
4 Texto de Tony Johansen, artista e produtor de tintas artesanais. www.paintmaking.com.
5 MAYER; Ralph; Manual do Artista; Martins Fontes; 1950; 1957 e 1970. p. 183.
6 DOERNER; Max; The Materials of the Artist and Their Use in Painting; 1921; p. 100.
7 VELÁSQUEZ; R. Louis; Oil Painting with Calcite Sun Oil: Safety and Permanence without Hazardous Solvents, Resins, Varnishes, and Driers; 2003; Califórnia; EUA. p. 13.
8 Empresa norte-americana que produz e comercializa pigmentos históricos e raros.
9 Texto obtido através de correspondência com George O´Hanlon; 2008.
10 Texto de Tony Johansen, artista e produtor de tintas artesanais. www.paintmaking.com.
11 EASTLAKE; Sir Charles Lock; Methods and Materials of Painting of the Great Schools and Masters; Dover; 1847; p.322.
12 DOERNER; Max; The Materials of the Artist and Their Use in Painting; 1921; p. 249.
13 MOTTA, Edson; SALGADO, Maria; Iniciação a Pintura; Editora Nova Fronteira; 1976. p. 67.
14 VELÁSQUEZ; R. Louis; Oil Painting with Calcite Sun Oil: Safety and Permanence without Hazardous Solvents, Resins, Varnishes, and Driers; 2003; Califórnia; EUA. p. 13.

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quarta-feira, 11 de maio de 2011

Blogueiras Unidas - divulgando blogs e fazendo amizades!

Surrealismo.

Olá amigos,

Gostaria de dividir com vocês algumas informações sobre o movimento surrealista. Encontrei um texto suscinto, mas, que contém informações importantes sobre esse movimento. Lilian

Surrealismo

segunda-feira, 9 de maio de 2011

Michelangelo (1475-1564) - O divino!

sexta-feira, 6 de maio de 2011

Parabéns as Mães pelo seu dia!

terça-feira, 3 de maio de 2011

A Divina Proporção.

domingo, 1 de maio de 2011

Diferença entre tintas industriais e artesanais.

Gostaria de dividir com vocês algumas informações sobre o movimento surrealista. Encontrei um texto suscinto, mas, que contém informações importantes sobre esse movimento.
Lilian